Rosja (bbabo.net) - Opera Mozarta „Wesele Figara”, wystawiona przez słynnego reżysera teatralnego, twórcę Woroneskiego Teatru Kameralnego i Płatonowskiego Festiwalu Sztuki Michaiła Bychkowa w Woroneskim Teatrze Opery i Baletu, zdobywa Złotą Maskę w kilku nominacjach jednocześnie. Pierwsza duża trasa spektaklu odbędzie się w ramach Złotej Maski 15 stycznia w Teatrze Muzycznym Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki.

Czy Wesele Figara ma już długie życie w Woroneżu teraz, po premierze?

Michaił Byczkow: Miejmy nadzieję. Ale w każdym razie jest to spektakl znaczący dla teatru, który otworzył nową kartę w swojej historii. Na jej czele stanął nowy dyrektor artystyczny, który stara się przyciągnąć do teatru ciekawych ludzi, w tym mnie.

Nawiasem mówiąc, to nazwisko Aleksandra Lityagin, młodego choreografa, dawniej tancerza, zasugerowało mi to imię. Słusznie zakładał, że rzecz, zawarta w pięciu najbardziej dochodowych operach wszechczasów i narodów, będzie w stanie przyciągnąć publiczność.

Jeśli repertuar baletowy ma stałą publiczność w Woroneżu, to z przedstawieniami operowymi jest coraz trudniej. Teraz jesteśmy świadkami kolejnej i, mam nadzieję, dokładniejszej próby ocalenia tego kierunku dla Woroneża. Chociaż kilka prób już podjęto, a ja również brałem w nich udział na różnych etapach. Może ktoś pamięta „Don Juana” pod kierownictwem muzycznym Andrieja Ogiewskiego. Były to pierwsze kroki w kierunku powrotu prostych pojęć: czym jest przedstawienie jako rodzaj całości, semantyki i stylistyki, co nie jest umowne, ale ludzkie treści związane z przeżyciami. Potem zaproponowano mi wystawienie opery Gleba Sidelnikowa „Ojczyzna elektryczności”. Kiedy pokazaliśmy występ w Moskwie w Złotej Masce, doświadczeni ludzie mówili, że to świetny projekt na zagraniczną trasę: proza ​​Andrieja Płatonowa, najciekawsza muzyka, wizualne rozwiązanie Nikołaja Simonowa w stylu rosyjskiego awantu -garda z lat 20-tych... Oczywiście nic z tego się nie wydarzyło, nawet do Petersburga "Ojczyzna elektryczności" nie dotarła.

Byli Poszukiwacze Pereł, a potem Aleksander Titel zaprosił mnie do Wertera w Teatrze Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki, za co jestem bardzo wdzięczny. Wtedy powstał nasz twórczy związek z dyrygentem Feliksem Korobovem, który pod wieloma względami zapewnił sukces naszej nowej pracy. Mam więc własną biografię w tego rodzaju sztuce.

Czy opinia publiczna jest gotowa na zaproponowane przez Ciebie niekanoniczne rozwiązanie?

Michaił Bychkov: Robiąc Don Giovanniego, bardzo ostrożnie sprowadziłem publiczność do teatru. Pierwsza na świecie inscenizacja opery Gleba Sidelnikowa również wymagała dokładności. I tu zaryzykowałem krok i własną wersję interpretacji „Wesela Figara” – w końcu istnieje milion interpretacji tej opery. Wydaje mi się, że publiczność Woroneża została dostatecznie wyedukowana przez jedenaście festiwali Płatonowa. Zobaczmy...

Jak wpadłeś na tak szokujący początek – materiał filmowy z prawdziwej kroniki I wojny światowej?

Michaił Bychkov: Wszystko, co wymyśliłem, słyszałem w muzyce. A ja szukałem tylko formy ucieleśnienia tego, co usłyszałem. W muzyce najsilniejszy dramat łączy dwa motywy - miłość i śmierć. „Miłość jest silna jak śmierć, a jej strzały to strzały ognia”. I nie chodzi o seksualne pragnienie posiadania, nie o pożądanie. Chodzi o miłość, która ogarnia człowieka i czyni go zdolnym do szalonych rzeczy. Szukałem na to wymówki. Czas między pierwszą a drugą wojną światową to najwłaściwszy czas na takie napięte zestawienie. Ale – powtarzam – wszystko słyszałem w muzyce. To nie jest sitcom. Nie ma nic konwencjonalnego, są sytuacje absolutnie motywowane psychologicznie, które były interesujące do zbudowania.

Czyli nie ma plam szampana?

Michaił Byczkow: Oczywiście! To bardzo smutna historia, pełna bolesnych przeżyć dla jej bohaterów.

Ostatnią rzeczą, jaka przychodzi do głowy o Figaro, jest wojna.

Michaił Bychkov: Spójrz - oto finał pierwszego aktu, kiedy hrabia wysyła Cherubina do pułku. Ale co to znaczy wysłać do pułku? Jeśli ma to związek z takim kontekstem, gdzie śmierć i miłość są blisko, a śmierć jest wojną, to dokąd wysyła Cherubina i co teoretycznie go czeka? To doskonale łączy się z arią Figara, który opowiada Cherubinowi, jak to jest, gdy młody człowiek służy pod bronią. Widz dzisiaj nie musi wiedzieć, że „Wesele Figara” jest częścią trylogii, pamiętać „Cyrulika sewilskiego” i co Figaro zrobił dla hrabiego, gdy szukał hrabiny. Widz słyszy tę muzykę, widzi tych ludzi. A teraz musi zrozumieć, jak żyją ci ludzie. To koledzy żołnierze i być może hrabia zawdzięcza Figaro życie. A kiedy jesteś gotowy do zdrady, odebrania panny młodej osobie, której zawdzięczasz swoje życie, musisz mieć najsilniejszą motywację.

Więc oboje kochają Suzanne? Michaił Byczkow: Wszyscy kochają wszystkich. Na przykład w scenie spotkania z Cherubinem ani Hrabina, ani Zuzanna nie mogą nie odpowiedzieć na młodzieńczy apel Cherubina. Tak, bo tęsknili za miłością tak samo jak mężczyźni, którzy wracają z wojny.

Czy to jest źródło ich erotyki, która jest tak ważna dla spektaklu?

Michaił Byczkow: Oczywiście! Wojna odebrała im możliwość kochania, bycia razem, cieszenia się sobą. I nie żeby żyli, żyli i nagle hrabia miał dość hrabiny. Wydaje mi się, że w muzyce wszystko jest ciekawsze i bardziej skomplikowane.

Czy Korobov zgadzał się z słusznością tej historii?

Michaił Bychkov: Współpraca z Feliksem to przyjemność. Dla mnie na przykład ważna była szybkość. A potem czysta muzyka - 3 godziny 25 minut! Zrozumieliśmy, że rachunki są nieuniknione. To nie Salzburg i zabawne jest dla nas konkurowanie z sumiennymi amatorami, którzy oglądają każdą nutę. Zrobiliśmy występ repertuarowy i dokonaliśmy pewnych redukcji. Oczywiście Korobov ma swoje własne niuanse, które charakteryzują jego podejście, jego wyczucie materiału. I zbiegliśmy się z nim. Bardzo martwiłem się o zakończenie, zależało mi na tym, aby zakończyć je nie do końca tak, jak było napisane w oryginale. I zgodził się z możliwością, poprzez redystrybucję nacisków, rozwiązania tego problemu.

Nie pokazujmy naszych kart, ale czy zakończenie jest naprawdę jeszcze trudniejsze niż początek?

Michaił Bychkov: Nie chodzi o sztywność. Zakończenie nie powinno rozmywać intonacji i logiki, w jakiej została opowiedziana cała historia. Dlatego jest ułożony w sposób niekanoniczny.

Na początku spektaklu wykorzystano materiały archiwalne. Skąd oni są? Ciekawy jest kontrast tej kroniki z luksusowymi wnętrzami w duchu Belle Epoque.

Michaił Byczkow: Trzeba oczywiście wspomnieć o dwóch Aleksiejewach. Alexey Votyakov, nominowany do „Maski” jako autor scenografii i kostiumów, oraz Alexey Bychkov, artysta wideo, mój wieloletni współautor w tym kierunku. Pracował tylko z kroniką, która została odnaleziona, skomponowana i połączona z materiałem muzycznym. Dla nas ważniejsze było poczucie autentyczności niż portretowe podobieństwo do aktorów. I to, że jest jedna epoka, a widzimy też warstwy innych wieków - taka jest Europa, niektóre wnętrza zachowały się w niej od wieków. Mogą gnić, być bombardowane, atakować chemikaliami, starannie przykrywać się workami z piaskiem, aby nie uległy uszkodzeniu, pokryć się kurzem, ale w końcu myją się, oczyszczają i dalej żyją jak piękno, które przez chwilę się ukrywa, i następnie ponownie objawia się światu.

Naturalność i piękno miłości w apelu ze śmiercią, niebezpieczeństwem i tym, że niesie w sobie nie pociechę, ale najsilniejszą udrękę, ale to nie przestaje być piękne. Posługujemy się na przykład cytatami z pełnych zmysłowości obrazów Tycjana.

Opowiedz nam o artystach.

Michaił Bychkov: Takie podejście do rozwiązania materiału operowego, które zaproponowałem, jest możliwe tylko wtedy, gdy ma się przekonującego, poprawnego wykonawcę. W związku z tym zaproszeni soliści MAMT - Katya Lukash i Natasha Petrozhitskaya - to super profesjonaliści, z którymi praca była przyjemnością. Ale obok nich soliści Woroneża pracowali na godnym poziomie - w rolach Suzanne Sasha Dobrolyubova, Almaviv - Kirill Afonin, Figaro (Fedor Kostyukov i Alexey Tiukhin), Bartolo (Artem Borisenko) i inni. Praca z nimi to przyjemność - a widz reaguje na dotkliwość psychologicznych zderzeń.

Co sądzisz o samym trendzie – zapraszaniu reżyserów teatralnych na scenę operową?

Michaił Bychkow: Trochę śledzę dyskusje na ten temat. I mogę powiedzieć, że gdyby specjalnie wyszkoleni reżyserzy muzyczni pokryli całe zapotrzebowanie na nowe spektakle operowe, nie zostalibyśmy zaproszeni. Dyrektorzy muzyczni są świetni, ale jest ich niewielu. Teatry powinny zachować prawo do łączenia różnych sztuk. Opera jest jednak sztuką syntetyczną. I nie sprowadzałbym wszystkiego do umiejętności odczytania partytury. No tak, nie czytam partytury. Ale słucham, rozmawiam, załatwiam z kompetentnymi ludźmi, staram się być otwarty. Wydaje mi się, że nie powinno być takiego zestawienia.

bbabo.Net